Lo artesanal y la búsqueda de la técnica

 Lo artesanal como respuesta a una necesidad creativa.

En la realidad en la que vivimos, el materialismo se ha elevado como una corriente de pensamiento hegemónica, propiciando entre muchas cosas, la automatización del pensamiento y la generación de objetos (tanto de diseño como de otros tipos) en gran cantidad, y con poca preocupación en la calidad. Como respuesta a esta problemática, varios colegas han reaccionado con distintos métodos, obteniendo resultados favorables, como manifiestos y códigos de comportamiento, que les han llevado a la producción de material de gran calidad y contenido.

Partiendo de esto y tomando como referencia el manifiesto redactado por Gillen Ferrer, ex-director creativo de Camper, donde este habla de retomar la espiritualidad a la hora de producir diseño, y de pensar estrategias para desarrollar trabajos de calidad y que sean amables con el planeta.

De esto surge una reflexión a cerca de la profesión y actividad del ilustrador, y de la importancia de la artesanía para esta, así como para el diseño en general. La responsabilidad del diseñador no es solo transmitir ideas en lenguaje gráfico, si no llevar la belleza y el goce estético a las personas, así como expresar sus opiniones a partir del lenguaje de lo visual. Esta era la esencia de movimientos como el Arts and Crafts, la Bauhaus, el art Noveau y el art Deco, movimientos que acercaron la profesión del diseño a la de las artes, y buscaron consciente o inconscientemente, su dignificación no solo como oficio, si no como ejercicio intelectual.

Es entonces que surge la idea de revalorar el trabajo artesanal de la misma manera, ya que este da origen a nuestra disciplina; y de usar los recursos que se adquieren de los procesos intelectuales y técnicos propios de dicha profesión; para desarrollar un proceso creativo innovador que permita resultados inusuales y atractivos

 El encuentro con el Ebru y su planteamiento como solución creativa.

Como resultado de un proceso dentro de las técnicas y métodos artesanales para la elaboración de productos gráficos, se encontró una técnica que proviene de tiempos muy remotos, y cuya historia lo relaciona estrechamente con la mayoría de las culturas de la humanidad, el jaspeado en papel, cuyo desarrollo máximo es el Ebru turco.

Esta técnica fue elegida para la elaboración de este trabajo de investigación por que el proceso para su realización es muy diferente al que se utiliza en el resto de las técnicas gráficas, guardando la relación justa para ser considerada dentro de las mismas. La idea es que al salir de su zona de confort, el diseñador que la utiliza desarrolle un pensamiento creativo y comience la búsqueda de soluciones por medios innovadores, así como revalore los medios no convencionales y las posibilidades de las técnicas artesanales para el desarrollo de propuestas gráficas.

Con esto se logran tres cosas, primer, como ya se dijo, que el diseñador busque alternativas para la solución gráfica; segundo, la revaloración de una técnica artesanal de diseño que proviene de muchos siglos atrás, y cuya historia la sitúa como una de las técnicas mas valoradas del pasado; y tercero, se acerca al diseñador al material de nueva cuenta, ya que con las herramientas digitales, muchos diseñadores se han alejado de los procesos manuales, por lo que han perdido destreza en estas, demás de que se han apartado de los materiales y se han des-sensibilizado, y esto ha propiciado que muchos productos de diseño carezcan de un aura (como se le llama en artes). Aclarando, este trabajo no esta en contra de el uso de herramientas digitales, si no en contra de la manera en que estas se utilizan, que propicia la automatización del trabajo de los diseñadores, que, por el contrario, debe ser consciente y sintiente, fruto de habilidades entrenadas con esfuerzo.

Se pretende con esta propuesta, enseñar al diseñador una técnica que no se ha usado (no de manera constante) para hacer diseño en mucho tiempo, y que al retomar esta, aprenda a hacer un esfuerzo para desarrollar su trabajo y a no buscar la solución mas rápida, para que así revalore su propio trabajo como un producto estético, y sienta de nuevo la emoción de crear, que se ha perdido debido a la sobreproducción de imágenes.

Así, al proponer el Ebru como técnica de solución gráfica creativa, se intentará humanizar al diseñador, despertándolo y sensibilizándolo al enfrentarlo con un reto cuyo resultado es un producto estético bello, y recordándole así que sus creaciones son una extensión de su persona, y que por lo tanto debe valorarlas no solo en metal, si no mucho mas como objetos culturales, comunicadores y estéticos, que no merece cualquiera que pueda pagarlos, si no aquellos que sepan apreciarlos; es decir, que el diseño no debe ser un lujo costoso que solo pueden pagar algunos, si no una actividad que se debe apreciar por su dificultad, realización y poder comunicativo.

Ensayo: “Categorias estéticas, lo trivial y lo sublime en la adaptación a narrativa gráfica experimental de Viaje al Oeste: Las aventuras del Rey Mono.”

Introducción.

Durante el semestre cursado, se llevaron a cabo procesos creativos, así como la conceptualización previa y desarrollo del material que se generará como producto del trabajo de investigación que se lleva a cabo. Se tomaron como eje para este ejercicio dos aspectos. El primero, la referencia al texto que se tiene pensado ilustrar. Y en segundo lugar, las categorías estéticas como las planteara el maestro Juan Acha (referencia).

Para dar a entender correctamente lo antes planteado, se requiere explicar cual será el producto del que se habla. Por lo que explico:

Dada la naturaleza experimental del trabajo de investigación en curso (que estudia las posibilidades técnicas de métodos de jaspeado en papel basados en el procedimiento del Ebru en el campo de la ilustración) se decidió tomar un formato poco convencional, planteado por Sebastián Carrillo “Bachan” en su edición limitada de “El Bulbo” (referencia), donde el autor amalgama dos soportes o aplicaciones, el cómic y el cartel. Se trata de un cartel plegado, que al desplegarse cuenta una historia que termina en una escena de dimensiones considerables, que funciona dentro de los parámetros del cartel (valga la redundancia).

Lo que se desea entonces es desarrollar una serie de narraciones gráficas, tomadas de fragmentos de la novela clásica “Viaje al oeste: las aventuras del Rey Mono” (referencia), que se cuente usando el método experimental planteado por “Bachan”, aplicando los resultados de las experimentaciones técnicas realizadas en el trabajo de investigación.

Entonces, volviendo al tema principal, se decidió que para el desarrollo de tal proyecto, se tomaría como tema la antes mencionada novela, y las categorías estéticas de lo Trivial y lo Sublime. A continuación explico la relación entre el tema a ilustrar y dichas categorías.

Éstas nacen de la observación de los fenómenos otrora inexplicables, de magnitud tal que asombran, desconciertan y desasosiegan; en comparación con los fenómenos cotidianos, que son controlados, pasan inadvertidos y forman parte del quehacer diario. Así, conforme pasó el tiempo, y el ser humano comenzó a catalogar sus conocimientos, y generar términos para describir lo perceptible así como lo conocible, acuñó los términos de las categorías estéticas a las que se refiere anteriormente.

Abundando en la descripción de dichos términos, se buscará dar con una visión más integral de los que significan y abarcan, por lo que procedo…

Lo Sublime:

Como se dijo con anterioridad, este concepto nace de la observación y reflexión de eventos que en, otro momento inexplicables, asombraran al ser humano, y le pusieran en contacto con lo divino. Era entonces una propiedad de lo producido por los poderes de la o las divinidades, una experiencia fiera de la proporción humana, de poderes destructivos y/o creadores más allá de los sueños de aquellos individuos. Era entonces relacionado con lo divino; los héroes, los semidioses y los dioses encarnaron esta fuerza, se les dio una forma y un carácter superior y sobrehumano. En las epopeyas, textos que hablan sobre las guerras entre los dioses y sus seguidores, se ve retratado este carácter, mostrando los elementos naturales como las armas que esgrimieran estos seres todopoderosos.

Más tarde en la historia, cuando el ser humano comenzó a conocer la naturaleza de los acontecimientos que antes no comprendía, lo sublime ya no estaba en manos de uno o varios dioses, si no en el poder de la naturaleza, donde el ser humano era victima del poder arrasador no solo de tormentas, terremotos y volcanes, si no de su propia e incontenible naturaleza humana. Los románticos retratan en este momento histórico, como el hombre era arrastrado por vientos, marejadas y relámpagos hacia su perdición; pero también como su idealismo, como fuerza incontenible que provenía de su interior, le llevaba a revoluciones de pensamiento y libertad. El ser humano era presa de sus emociones, amaba hasta morir, y odiaba hasta matar; y el arte reflejaba esa realidad. Sus dioses ya no eran representaciones de lo inexplicable, si no fuerzas incontenibles, anhelos e ideales, como se puede entender al observar “La libertad guiando al pueblo” de Eugene Delacroix. (fig. 1)

fig.1

El avance de la tecnología era también muestra del poder de la naturaleza, ya que mostraba lo que esta fuerza podía hacer y podía mover, como lo pintara William Turner en su obra “Lluvia, vapor y velocidad” (fig. 2)

fig.2

Lo sublime se entiende entonces como lo elevado, lo divino y lo ideal; y su opuesto sería…

Lo trivial:

Su propiedad principal es la de pasar desapercibido, se trata de lo cotidiano y terrenal, la rutina, lo que se entiende y es simple, y que por lo tanto no es asombroso. Durante los años y épocas que han sucedido desde la aparición de la especie humana, esta ha perdido con el tiempo la capacidad de asombro, ha ido racionalizando las cosas y ha considerado dentro de esta categoría, cada vez mas cosas que antes veía como sublimes (basta con notar que el fuego, la lluvia, el sol, la luna e incluso el maíz eran provistos al hombre por divinidades). Pero no se debe subestimar lo trivial, ya que, si bien no se ha valorado demasiado a principios de la historia, el día de hoy los seres humanos apreciamos cada día mas los que llamamos pequeños placeres de la vida. Encontramos placer en contemplar y apreciar lo cotidiano, como una buena comida o una buena conversación. No se busca la hazaña heroica, si no que se encuentra presencias divinas en los detalles humildes y la sencillez de la vida diaria.

La estética de lo trivial radica en la capacidad de apreciar lo que no salta a la vista, lo que está allí a diario, cosas y eventos que alguna ocasión fueron causa de fascinación y culto, (como el fuego y las lluvias), y por lo tanto, de ser observadores humildes. La obra de Toulouse Lautrec es un exponente idóneo de esta categoría estética, donde lo terrenal y humano es objeto de culto, donde se hace tributo a los placeres sencillos e inmediatos, nada que ver con el ideal ni la proeza heroicas. (fig. 3 y 4)

fig.3

fig.4

Ya que hemos comprendido la comparación, podemos entonces entender el viaje que se tiene que hacer al aprender a contemplar lo trivial desde una mirada cautivada solo por lo sublime, y es esta parte la que implica el mensaje de la novela el viaje al oeste. El protagonista, Sun Wukong, que se autonombraba el Gran Sabio igual que el Cielo, se consideraba a si mismo un ser sublime y superior, por lo que su viaje tiene como objetivo el que este personaje reconozca su propia trivialidad, y comprenda así que su gran poder no le hace superior, y que en la humildad se encuentra el camino a la iluminación, y por lo tanto, a la verdadera sublimación.

Entonces en esta obra, se plantea la aceptación de la propia trivialidad como el camino para llegar a lo sublime, por lo que surge entonces la incógnita de como dar una solución gráfica a esta idea (pasando al terreno correspondiente al proyecto que se lleva a cabo).

En terrenos del trabajo de adaptación gráfica que se esta desarrollando, se toma éstas categorías se manifiestan no solo en el tema, si no que en el formato mismo, que por ser de carácter experimental, transgrede la cotidianidad de los medios tradicionales desde los términos de los mismos. Es decir, el formato hibrido de cómic-cartel, que se mueve en un punto medio entre ambos lenguajes, y cuya intención es maridarlos de manera exitosa, se combina a su vez con el recurso que llega a ser la técnica con que se desarrollan las imágenes, que a su vez parte de lo artesanal, y que por medio de métodos laterales, se pretende llevarla a un terreno estético distinto.

Esto se aúna al desarrollo conceptual de los personajes, contextos, acciones y escenas e la obra, que se piensa dentro de los mismos parámetros estéticos.

Así, los personajes de esta narración, que son capaces de proezas de magnitudes épicas, sufren a su vez de defectos y ambiciones terrenales, por lo que sus rostros son expresivos y sus actitudes y movimientos, cotidianos. Se les representa tanto en acciones del día a día (lo trivial), como serían levantar un campamento, cargar el equipaje, caminar y descansar; como en luchas y proezas de magnitudes en ocasiones desproporcionadas (lo sublime) dentro de narraciones tan cortas, que se magnifica el contraste entre unos y otros momentos.

Entonces, en este trabajo se sigue una estética que fluctúa entre lo trivial y lo sublime, tanto en la forma como en contenido, ya que al ser una obra de narrativa  gráfica, los parámetros de estas categorías estéticas son aplicados no solo a la forma y contenido plástico, si no a la forma y contenido literarios, por lo que la adaptación muestra una gran variedad de facetas de las mismas, que comprenden desde el heroísmo, las hazañas sobrenaturales, lo sobrecogedor, lo común, lo cotidiano, lo terrenal, etc. Todo esto convierte a este trabajo en una serie de amalgamas de opuestos y complementarios, que van desde la gráfica narrativa (literatura mas plástica), las categorías estéticas (lo trivial de lo sublime y viceversa), los inmortales discípulos de un mortal, buscando todos la iluminación a partir de reconocer en si mismos sus carencias y ponerse al servicio de aquellos que alguna vez consideraran inferiores.

Teniendo esto como base, se desarrolló la parte gráfica del proyecto, realizando estudios de los personajes, tanto en acciones como en expresiones, y así también se hizo con los escenarios o ambientaciones en que se desarrollan las narraciones; para posteriormente hacer el diseño de las acciones que se llevarían a cabo en un primer y segundo trabajos, que se llevarán a cabo junto con otros tantos en el semestre entrante, donde se llegará a la etapa de aplicación de la técnica como tal.

Principios de las posibilidades del Ebru en ilustración

El método tradicional para hacer Ebru

Se trata sin mas ni mas de la adaptación de la técnica original para hacer trabajo de ilustración. Para esto se hace uso de los principios originales del Ebru, donde se hace flotar la pintura en un baño y se manipulan las manchas flotantes para crear dibujos.

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Esto se logra controlando las manchas de tinta que se expanden en la superficie del baño, que en este caso esta compuesto por tres partes de agua y una parte de mucílago, y que permite la flotación por su viscosidad. Para lograr que la tinta (china, en este caso) se expanda en la superficie del baño, esta se agrega a una mezcla de seis partes de agua por una parte de jabón líquido para trastes, lo que contrarresta el efecto de la tensión superficial. Es importante entender dos puntos fundamentales para por controlar las manchas de tinta sobre este baño; primero, que estas no se mezclaran mientras floten en la superficie del compuesto mucilaginoso, ya que se encuentran cada una separada por una barrera microscópica creada por la tensión alrededor de la propia mancha, de tal suerte que se pueden crear una dentro de otra sin afectar el color da cada una; el segundo punto importante es que las manchas ocupan espacio en la superficie, por o que la intensidad del color aumentará dependiendo de la cantidad de tinta que se encuentre en la superficie, al mismo tiempo que estas se expandirán menos en cada ocasión. Tras entender esto, se comprende que para lograr un dibujo controlado, se necesita depositar primero toda la tinta que se va a utilizar, para después proceder con la manipulación de las manchas de color. Para esto se puede usar un punzón o un palillo de madera con una punta afilada, mediante el cual se alteren las formas, siempre cuidando no hacer movimientos bruscos, ya que estos ocasionarían que el dibujo se deformara, hasta lograr el resultado que se busca.

Posteriormente, el dibujo se transfiere por contacto a un papel premordentado, es decir, cuya superficie fue humedecida en una solución de agua con alumbre, en este caso, de aproximadamente 300 gramos de alumbre por aproximadamente 500 mililitros de agua. Aquí se debe notar que la imagen quedará invertida al momento de la transferencia. Esto es importante para quien busque utilizar tal cual el resultado del trabajo.

Una vez obtenida la imagen, esta debe ser lavada por unos momentos en agua corriente para retirar el exceso de tinta y residuos del baño que pudieran haber quedado, ya que al secar sobre el papel, estas pueden opacar o manchar la imagen. De esta manera se lleva a cabo el proceso tradicional. Este puede servir, dentro de la ilustración, para la realización de viñetas y trabajos sencillos pero vistosos. En este caso, se usaron solo dos tintas, pero se pueden usar tantas como se requiera.

1.4.2 Retoque y composición digital.

En esta era, la computadora es una herramienta que es indiscutiblemente útil para prácticamente cualquier disciplina. En el trabajo del diseñador, así como específicamente en el del ilustrador, esta es esencial. En el caso que nos atañe, permite lograr terminados muy interesantes al repetir, rotar o reflejar (entre muchas posibilidades mas) imágenes hechas con Ebru, permitiendo darles un discurso diferente, y manipularlas para lograr resultados interesantes. En este caso no ahondaré aun en la intervención de las imágenes mas allá del retoque y de las herramientas digitales de composición, ya que eso lo dejaré para el momento en que hable de las posibilidades de la técnica Ebru dentro de las mixtas.

En este caso, vemos un dibujo hecho mediante los principios antes descritos y escaneado posteriormente. Como vemos, se trata de un dibujo figurativo que nos muestra a un personaje. Esta imagen no ha sufrido mas alteración que el escaneo, ahora pues, procedemos a ver el resultado de diferentes herramientas digitales aplicadas a esta.

Aquí se observa la misma imagen después de un retoque digital, se puede ver un aumento en el contraste que da mas carácter a los colores y mas fuerza a la textura del papel.

Tratada con este simple proceso, el dibujo gana varios aspectos que le enriquecen, así como resaltan las características que le da el proceso mediante el cual fue hecho.

Aquí se observa la misma imagen, invertida y sobrepuesta sobre una copia de la misma. Ha ganado profundidad y permite una lectura más interesante. En lugar de usar la misma imagen, es obviamente posible utilizar una distinta, pero, dado que este resultado puede ser obtenido analógicamente mediante un bloqueo selectivo sobre la imagen y la sobre posición de otra transferencia, se decidió mostrar un resultado que es mas propio de las técnicas digitales, que permiten hacer duplicados y generar este tipo de composiciones.

Finalmente se muestra aquí como, mediante un proceso sencillo, se logra de nuevo cambiar la lectura de un mismo dibujo, generando un discurso muy diferente al que tenía originalmente. Dicha posibilidad da gran campo de acción al ilustrador de generar muchos discursos a partir de una primera aproximación, permitiendo gran versatilidad, en este caso, a los resultados obtenidos con Ebru.

La investigación en el campo del arte y el diseño.

Cuando se piensa en un investigador, generalmente se tiene una imagen de un científico, o tal vez algún humanista, como lo podría ser un sociólogo o un antropólogo, pero se piensa en un artista. Quizás esto sea por que se resta importancia a al artista como generador de conocimiento, o simplemente a que este es muchas veces visto como un individuo solitario e introspecivo, recluido por horas en su taller experimentando y creando; tal ves sean ambas razones.

En todo caso, es responsabilidad del artista y productor estético el entender y dar importancia a su propia labor de investigación. Debemos saber que nuestra investigación es generadora de conocimientos importantes para el arte y para el pensamiento humano, y por lo tanto relevante para la cultura y la humanidad. Es importante recordar esto, ya que la labor de investigación del artista es muchas veces menospreciada dentro del campo intelectual, ya que se piensa que no genera un conocimiento de tanta importancia como lo puede generar una investigación científica, que muchas veces arrojará un avance o crecimiento tecnológico de una importancia obvia y tangible por todos.

La peculiaridad del arte en cuestiones de investigación es que trabaja para y dentro de si mismo, se crea y se retroalimenta dentro de la sociedad, y los resultados obtenidos son, casi siempre, conocidos solo en el medio del arte. Pero el arte es una creación y necesidad de la sociedad, así como una manifestación de la cultura; un retrato de la suma de todo lo que sucede dentro de la cultura en que se genera, y por lo tanto, dichos resultados se manifiestan también a causa y dentro de la cultura.

Entonces nosotros, los investigadores del arte, somos participes de este ciclo, paradójico en cierto sentido, que afecta a la cultura y que a la vez se ve afectado por la cultura. Somos una suerte de cronistas, retratando la cara de la época en que vivimos, en contacto directo con la forma de ser que tiene nuestra propia realidad. La vanguardia artística va siempre de la mano con la moda y el pensamiento vigentes, y con ellos, siempre en constante búsqueda y transformación.

Explicada la importancia de la investigación en el arte, hay que comprender que, dado su objeto de estudio, requiere de un uso particular de los métodos, ya que el arte necesita de flexibilidad en al momento de la investigación, que permita la creación y la expresión del discurso del artista, ya que por mas que el proceso investigativo se acerque o se pueda acercar a otras disciplinas del conocimiento, siempre será en si mismo un proceso creador y comunicador de una visión artística/estética; por lo que se debe buscar la flexibilidad metódica y disciplinada en el momento de llevar a cabo esta actividad.

Ahora bien, hemos determinado porque la investigación en el arte es vital. Por lo que es pertinente mencionar cual es la aplicación de la misma en el plano de lo práctico. Puede haber varios motivos para los cuales un productor estético se pueda emprender en una búsqueda de conocimiento teórico, que pueden ir desde la justificación o la mera recopilación de datos para la realización de una obra, hasta la generación de un nuevo conocimiento y la posible elaboración de una tesis.

En el segundo caso, una tesis en el campo del arte y el diseño (que son las disciplinas de las que compete hablar en este escrito), se pueden buscar mas que nada dos enfoques, uno que es de investigación formal y que puede tratar un tema concreto relacionado al arte o a alguna otra disciplina, siempre con enfoque artístico, en busca de realizar obra alrededor de este tema o de relacionar este con un método de producción artística o de diseño, desarrollando así un nuevo conocimiento dentro de la praxis de dichas disciplinas.

El segundo enfoque sería el de experimentación técnica, en el cual se va en pos de desarrollar y/o rescatar un proceso técnico de producción, para explotarlo dentro de la creación de obra. Dentro de este enfoque se pueden tener en cuenta nuevos métodos, ya sea haciendo uso de materiales nuevos o haciendo nuevo uso de materiales ya conocidos, buscando que el resultado del trabajo de investigación arroje innovaciones y conocimientos que puedan ser usados para proponer algo dentro del campo del arte y/o el diseño.

Ahora bien, al hablar de una tesis, se implica, entre otras cosas, la obtención de un grado, con un enfoque de profesionalización y/o de capacitación para la docencia, donde se pueda profundizar en el conocimiento de un tema determinado para comprobar que se tiene la capacidad de ostentar un titulo que, a su vez, acredite los conocimientos del individuo.

Por lo dicho, se puede afirmar que una tesis en el campo del arte y el diseño es un trabajo de investigación teórico o teórico-práctico en el que se persigue la obtención de un estatus que le dé la capacidad de ejercer una profesión, así como en grados subsiguientes, ser considerado un profesionista de mayor capacidad, digno de enseñar a otros a su vez la profesión.

Pero sea cual sea el enfoque que se de a dichas tesis, es importante decir que estas deben ser estructuradas como cualquier proyecto de investigación, así que es bueno recapitular a cerca de lo que es un proyecto de investigación en el arte y el diseño, para depuse hablar de cómo se estructura el mismo.

Un proyecto de investigación en el arte y el diseño es un trabajo que busca tener como resultado la creación de un marco teórico para el desarrollo de nuevos productos estéticos y plásticos, acordes con el campo en cuestión, y que pueden ser tanto interdisciplinarios como intradiscsiplinarios, permitiendo a la práctica del autor una retroalimentación con lo ya hecho por otros y generando una suerte de dialogo entre el artista y el diseñador actuales con los que les han precedido en el ejercicio de la profesión. Es importante decir que dentro de estas disciplinas, un proyecto de investigación siempre llevará como resultado la búsqueda de producción o de actualización de los métodos de producción pertinentes al campo de acción de las mencionadas profesiones, así como también la teorización a cerca de estos mismos. Por lo tanto puede o no ser contemplada una parte del proyecto práctica en la que se aplique lo investigado a la praxis y a l desarrollo de obra, aun que en muchas ocasiones los autores se deciden por incluir dichos procesos como comprobación de su estudio, así como muchas veces el proyecto de investigación es expresamente realizado con la intención de realizar obra a través del mismo.

Pasando al campo de la estructuración de los proyectos de investigación, sabemos que esta se basa en el método científico en cualquier ámbito, y nuestra disciplina no es la excepción, por lo que antes de desarrollar nuestro proyecto se trabaja con un anteproyecto o protocolo que permita delimitar el campo de lo que se investigará, así como nos permita hacer suposiciones o hipótesis de lo que pensamos será el resultado de nuestro proceso de investigación, lo cual nos permitirá encaminar el mismo hacia la comprobación del acierto o la equivocación de dicha hipótesis.

Entonces, ya estructurado el anteproyecto se puede dar paso al cuerpo del proyecto, en el cual se harán los esfuerzos necesarios para comprobar la veracidad de lo que se afirmó en la hipótesis. En el caso de los realizados en el campo del arte y del diseño, casi siempre esto se logra, ya que se trabaja muchas veces sobre un terreno conocido y controlado por el autor, quien dedica, como se mencionó anteriormente, la investigación a la producción o teorización de la producción de obra plástica (aclaro que el producto de diseño también lo considero obra plástica), así como de los procesos mentales que lleva a cabo el realizador de la misma.

Una vez realizada la experimentación y el proceso de validación de la hipótesis, y habiendo documentado todo el proceso debidamente, se puede pasar a la realización del escrito que será resultado de la misma, y que fungirá en esencia como registro de la investigación ya sea a modo de una tesis o capítulo, ensayo, artículo, u otro producto de investigación.

Finalmente, los procesos documentados (en caso de hablar de una tesis, en forma de capítulos) se compilarán para dar cuerpo al escrito, y se podrá pasar a dar las conclusiones de lo que se encontró después de dichos procesos, y donde, idealmente, se comprobará la hipótesis lanzada por el autor en el anteproyecto y, cuando se dé el caso, se describirán los hallazgos análogos o inesperados arrojados por el proceso de investigación.

Finalmente cabe hacer mención de que, los proyectos de investigación pueden tener dos enfoques, cualitativo y cuantitativo.

En el enfoque cuantitativo se obtienen los resultados de la investigación a través de la recolección de datos numéricos de los objetos, fenómenos y/o participantes, para luego estudiar los mismos mediante procesos estadísticos.

Este se estructura, según Hernández Sampieri, (hago hincapié en que se dan variaciones sutiles pero importantes de estos al tratarse del campo del arte y el diseño) de la siguiente manera:

a) Se plantea un problema de estudio delimitado y concreto y se plantean preguntas sobre cuestiones específicas.

b) Se realiza una revisión de literatura una vez planteado el problema.

c) Sobre dicha revisión se plantea un marco teórico.

d) De la teoría se deriva la hipótesis.

e) Se somete a prueba a las hipótesis mediante diseños de investigación apropiados. Si los resultados corroboran las hipótesis o son congruentes con éstas, se aporta evidencia a su favor. Si se refutan, se descartan en busca de nuevas explicaciones e hipótesis (en el caso de nuestra área, generalmente no se tiene mas de una hipótesis).

Este enfoque se caracteriza por lo siguiente:

1. Las hipótesis se generan antes de recolectar y analizar los datos.
2. La recolección de los datos se fundamenta en la medición de variables y/o conceptos contenidos en la hipótesis.
3. Debido a que los datos son producto de mediciones, se representan mediante números o cantidades, y deben ser analizados a través de métodos estadísticos.
4. En el proceso se busca el máximo control para lograr que otras explicaciones posibles (el autor las llama rivales) a la propuesta o hipótesis sean desechadas y excluir así la incertidumbre, minimizando el error.
5. Se busca la máxima objetividad.
6. Se sigue un patrón predecible y estructurado, por lo que las decisiones críticas deben ser tomadas antes de la recolección de los datos.
7. Se pretende generalizar los resultados encontrados ala mayor cantidad de casos posible, así como que los efectos de estos sean replicables.
8. La meta final al usar este enfoque es la de construir y demostrar teorías que puedan predecir y explicar el objeto de estudio.
9. al seguirse un proceso riguroso se espera que, por lógica, los datos arrojados sean válidos y confiables, y por lo tanto se genere conocimiento.
10. Busca acercarse a la realidad objetiva.

El enfoque cualitativo, a veces referido como investigación naturalista, fenomenológica, interpretativa o etnográfica, incluye una variedad de concepciones, visiones, técnicas y estudios no cuantitativos. Este enfoque es mas usado en el campo del arte y el diseño.

Sus características son:

1. El investigador plantea un problema, pero no sigue un procedimiento rígido, así como sus planteamientos son mas abiertos que en el enfoque cuantitativo.
2. Se comienza examinando el objeto, y en este proceso se desarrolla una teoría coherente con lo que se observa. Es decir, es un método inductivo.
3. La recolección de datos se realiza por medios no estandarizados, por lo que el análisis de estos no es estadístico.
4. Se puede definir a los datos cualitativos como descripciones detalladas de situaciones, eventos, personas, interacciones, conductas observadas y sus manifestaciones.
5. El investigador utiliza técnicas de recolección de datos como la observación analítica, entrevistas abiertas, revisión de documentos, discusión en grupo, evaluación de experiencias personales, registro de historias de vida, interacción e introspección con grupos y comunidades.
6. el proceso de indagación es flexible y se mueve entre los eventos y su interpretación, entre las respuestas y el desarrollo de la teoría. Su proposito es el de “reconstruir” la realidad tal como la observan quienes forman un sistema social previamente definido.
7. Se fundamenta en una perspectiva interpretativa centrada en el entendimiento del significado de las acciones de seres vivos, principalmente los humanos y sus instituciones.
8. Postula que la “realidad” se define a través de las interpretaciones de los participantes en la investigación respecto de sus propias realidades. De este modo, convergen varias “realidades”, por lo menos de los participantes, la del investigador y la que se produce mediante la interacción de todos los actores. Además son realidades que van modificándose conforme transcurre el estudio. Estas realidades son las fuentes de datos.
9. las indagaciones cualitativas no pretenden generalizar de manera probabilística los resultados a poblaciones mas amplias, ni necesariamente obtener muestras representativas; incluso, no buscan que sus estudios lleguen a replicarse.
10. El enfoque cualitativo puede definirse como uin conjunto de practicas interpretativas que hacen al mundo visible, lo transforman y convierten en una serie de representaciones en forma de observaciones, anotaciones, grabaciones y documentos. Es naturalista (por que estudia los objetos y seres vivos en sus contextos o ambientes naturales) e interpretativo (pues intenta encontrar sentido a los fenómeno en términos de los significados que las personas les otorgan).

Así pues concluyo que, en el arte y el diseño, la investigación suele ser mas cercana al enfoque cualitativo, en el cual se basan en general las investigaciones humanistas, así como las de las ciencias que no son entendidas como ciencias duras, pero puede tener también elementos de el enfoque cuantitativo, sobre todo en el área de diseño, donde muchas veces se busca un resultado repetible de técnicas de comunicación. En resumidas cuantas, en nuestra área de conocimiento se puede hacer uso de recursos de ambos enfoques, y siempre busca mejorar o teorizar sobre los procesos de producción y realización de obra, es decir, que en un final tiene una dirección práctica, o mejor dicho, dirigida a mejorar la praxis de la profesión.

Protocolo de investigación

Título

Ebru, el arte del marmolado de papel, y sus posibilidades como técnica de ilustración.

Planteamiento del problema

Durante el trabajo de investigación se pretende estudiar las posibilidades técnicas respecto a un método artesanal de marmolado de papel llamado Ebru, usado en Turquía desde la antigüedad en la elaboración de guardas para libros. Este consiste en la aplicación de pigmentos en un medio de alta densidad (agua con algún espesante) con el propósito de crear texturas visuales y dibujos en la superficie del agua contenida en una bandeja, para después por contacto estampar lo dibujado en una hoja de papel.

Los resultados que se pueden obtener al usar esta técnica son ricos en color, textura y forma, con la posibilidad de realizar desde dibujos abstractos hasta figuraciones con una alta calidad de detalle. Estas características son vitales para desarrollar el Ebru como una técnica de ilustración, ya que permite al ilustrador alternativas para representar los temas que requiera, además de darle libertad estilística y creativa.

En lo relativo a costos, esta técnica resulta ser económica, ya que no requiere de materiales o herramientas raras o muy especializadas, tampoco de un espacio con características especificas; por ende puede ser realizado en el mismo lugar en que el ilustrador desarrolla comúnmente sus actividades.

En lo referente a la disponibilidad de fuentes, en medios impresos estas no son escazas, pero en la red se pueden encontrar gran variedad de reportajes, artículos

e incluso demostraciones y tutoriales donde se tiene la posibilidad de aprender las bases de este, después de lo cual dominar la técnica se vuelve cuestión de práctica e investigación con los medios de esta.

En concreto, dada la baja necesidad de recursos humanos y económicos de este trabajo de investigación, se considera que el proyecto es altamente viable para su realización, y que a su vez, dejará una aportación importante al conocimiento de la disciplina de la ilustración

Objetivos y metas

Objetivo general

Conseguir el dominio de un método artesanal de decoración de guardas para libros y aplicarlo exitosamente como una técnica de representación visual para su uso en ilustración.

Objetivo particulares

Aprender sobre la historia y la cultura que generaron el Ebru como se conoce en la actualidad.

Conocer cuales eran los materiales que se usaron en la versión mas antigua de la técnica.

Comparar los materiales usados en la antigüedad para hacer Ebru con los que son o pueden ser usados hoy en día.

Analizar a profundidad los temas representados en pinturas Ebru en épocas antiguas.

Desarrollar teoría sobre que métodos se pueden seguir para generar una variedad de formas.

Localizar y delimitar cuales son las limitaciones de la técnica en cuanto a los resultados que se pueden lograr con ella.

Dominar las posibilidades y opciones determinadas y aprender a explotarlas.

Producir una serie de ilustraciones de autor haciendo uso de lo aprendido durante la investigación.

Generar un método personal de Ebru que pueda ser enseñado a otros como técnica de representación visual a través de la docencia.

Antecedentes del problema

Dado que este trabajo de investigación trata de retomar o revalorizar una técnica artesanal usada desde épocas antiguas en la decoración de libros, esta ligada de forma intrínseca con las prácticas y expresiones artísticas y artesanales de su época, así como también con el diseño y la ilustración de hoy en día.

Es un hecho que hoy en día son utilizados acabados propios de Ebru en la encuadernación y la decoración de libros y cuadernos, ya que aun hoy se utiliza papel guardas con un acabado de marmolado en los interiores de portadas y contra portadas de libros y cuadernos, muchas veces sin saber cuales son los orígenes de esa apariencia.

Proposición o hipótesis

Se puede desarrollar la técnica de pintura Ebru de manera eficiente como una técnica de representación gráfica aplicada a ilustración.

Estrategias de producción y perspectiva teórico-metodológica

Estrategias de producción:

Indagar y profundizar en los métodos antiguos de la pintura Ebru a fin de aprender a manejarlos.

Dominar el manejo de la técnica en su forma tradicional.

A través de la práctica, generar una metodología o estilo personal para el desarrollo de pintura Ebru.

Desarrollar una serie de ilustraciones de autor haciendo uso del estilo propio desarrollado.

Perspectiva teórico-metodológica

Se diría entonces que el método consta de los siguientes pasos.

Ensayo: Durante este paso se presionara a los límites el conocimiento que se tiene, determinando a que se puede llegar con dicho conocimiento.

Error: Durante este breve paso se determinará cuáles son las consecuencias y características de la falla a la que se llegue tras alcanzar el límite de lo que se conoce.

Análisis de resultado: Tomando en cuenta las posibilidades y límites de lo ya conocido, en esta etapa se buscan formas de hacer lo que con métodos previos no se logró. También se busca una utilidad a las características del error. Al final de este paso se anexa lo encontrado a la metodología y se procede a empezar de nuevo con el paso de ensayo.

Estructura conceptual

Ilustración: Disciplina estética, dedicada a la aplicación de técnicas de representación gráfico-visual en la realización de imágenes que por definición tendrán una función complementaria, si decir con esto que se haya supeditada a otras disciplinas. Dicha función es determinada por la finalidad dada al producto final donde esta disciplina sea aplicada, y de igual manera se fija la importancia que tendrá este dentro del proyecto en que sea aplicada. Ligada en gran parte a la literatura y las disciplinas didácticas puede ser desde narrativa en si misma hasta técnica, médica o científica.

Ebru: Técnica artesanal de pintura, utilizada en Turquía desde la antigüedad en la factura de papel marmolado o veteado y por consiguiente en la elaboración de papel guardas a mano.

Mediante la aplicación de pinturas en un medio de alta densidad contenido en una bandeja, se crean formas y dibujos al alterar, con herramientas simples (pinceles o varas de madera por ejemplo), las formas regulares adquiridas por los pigmentos al ser delimitados por la diferencia de densidad entre estos y el agua densificada en que flotan.

Marmolado o veteado de papel: Generación de texturas visuales, realizadas por diversos medios desde la antigüedad. Usadas para adornar las guardas de libros, así como en dibujos decorativos en varias culturas asiáticas.

Medio de alta densidad: Preparación a base de agua, adicionada con algun elemento espesante para aumentar su densidad, para así lograr que los pigmentos o pinturas, de una menor densidad, floten en la superficie del preparado. En la actualidad se puede usar grenetina en este proceso

Esquema de trabajo (índice tentativo)

1. Introducción.

2. Capítulos y subcapítulos

Capítulo 1: Antecedentes históricos de la pintura Ebru.

1.1 Historia de la pintura Ebru y del marmolado de papel.

1.1.1 Síntesis histórica de la artesanía turca.

1.1.2 Historia del marmolado de papel y la pintura Ebru

1.2 La importancia de la pintura Ebru en la cultura turca.

1.3 Métodos técnicos usados en la antigüedad para la elaboración de pintura Ebru.

1.4 El marmolado de papel en la elaboración de encuaderndos y papel guardas.

Capítulo 2: Aspectos técnicos de pintura Ebru.

2.1 Métodos de preparación del medio de alta densidad.

2.2 Ventajas y desventajas técnicas entre los diferentes medios de alta densidad.

2.3 Posibilidades técnicas de la Pintura Ebru.

2.3.1 Materiales y pigmentos.

2.3.2 Posibilidades formales, contraste de figura y fondo.

2.3.3 El color y el contraste.

2.4 Comentarios en torno a la técnica.

2.4.1 Las ventajas y desventajas de pintar sobre el agua.

2.4.2 Dificultades a superar para dominar esta técnica.

2.4.3 Habilidades a entrenar para explotar la técnica.

Capítulo 3: La pintura Ebru en la ilustración.

3.1 ¿Qué es la ilustración?

3.1.1 Historia breve de la ilustración.

3.1.2 Definición de ilustración.

3.1.3 La ilustración en la actualidad.

3.2 Ebru como técnica de ilustración.

3.2.1 Características de una técnica de ilustración.

3.2.2 ¿Por qué el Ebru como técnica de ilustración?

3.2.3 Particularidades técnicas destacables del Ebru dentro de la ilustración.

3.3 Ejercicio de Ebru en un proyecto personal de ilustración.

3.3.1 Etapa de previsualización y bocetaje

3.3.2 Descripción de los métodos técnicos del Ebru a utilizar.

3.3.3 Seguimiento del desarrollo del proyecto

3.3.4 Resultados del proyecto

3. Conclusiones

4. Notas

5. Fuentes de consulta

6. Índice de imágenes

7. Glosario

8. Anexos y Apéndices

Impacto y contribuciones de la investigación

En México es poco a nada conocida la técnica alrededor de la cual se desarrolla este trabajo de investigación, por lo cual en primera instancia, la relevancia o impacto de este proyecto se verá reflejado en la aportación que este mismo hará a la difusión de esta técnica en el ámbito cultural de nuestro país.

Al mismo tiempo, el producto de este esfuerzo impactará directamente en la realidad de la ilustración nacional contemporánea, al aportar a esta no solamente una nueva posibilidad técnica para el desarrollo de esta profesión, si no un enriquecimiento a la variedad de técnicas mixtas y experimentales existentes, dando así cabida, a su vez a nuevas investigaciones sobre el tema.

En lo personal, el autor de el trabajo será beneficiado de gran forma, al añadir en su rango de habilidades una nueva, que al tener poca difusión en el país le dará la posibilidad de explorar un nicho cultural y de mercado que no ha sido explotado, y mediante actividad docente, instruir a nuevos ilustradores en el uso de este método, para ir así llenando ese hueco con personal universitario debidamente preparado.

Recursos materiales y técnicos disponibles.

Como ya se había planteado, este proyecto no es demasiado exigente en lo que a recursos se refiere. La obtención de los materiales para la realización de la investigación no será difícil, pues en muchas tiendas y proveedoras para artistas se pueden encontrar los pigmentos, aceite, e incluso pinturas al óleo que pueden ser usadas en el desarrollo de la técnica propuesta para este trabajo de investigación, el resto solo es agua y utensilios que pueden llegar a ser improvisados incluso, sin causar mayor problema al desarrollador. En cuanto a recursos técnicos, como también se había mencionado, en la red existen varios tutoriales donde se enseña lo básico para la realización de la pintura Ebru, de manera que el resto puede ser aprendido mediante al práctica.

Calendario de actividades.

Agosto 2011 a Noviembre 2011 (primer semestre)

Se tomara este tiempo para hacer una investigación profunda del marco teórico e histórico de la pintura Ebru, empezando por la artesanía del pueblo turco y la importancia que pueda o no tener en la actualidad este tema para la cultura turca, así como la importancia que pueda haber tenido en el pasado. Esto se hará para comprender esta técnica desde su raíz cultural, para entender así su origen y el origen de lo en ella representado.

Enero 2012 a Noviembre 2012 (segundo y tercer semestres)

Durante este tiempo se trabajará lo que podría llamarse la parte principal del trabajo de investigación, donde se experimentará y aprenderá la técnica de pintura Ebru. En este periodo se registrarán los resultados de la experimentación con varias posibilidades de la técnica, en busca de la metodología mas adecuada para explotar las posibilidades de la técnica.

Enero 2013 a Mayo 2013 (cuarto semestre)

Este tiempo será utilizado para la aplicación de la técnica, así como para el registro de los resultados obtenidos y las conclusiones a las que se haya podido llegar después del periodo de investigación, y de terminada la misma. Se buscará arrojar un resultado no solo teórico, si no también práctico a través de la realización de una serie de ilustraciones de autor tratando de explotar las mejores cualidades de la pintura Ebru como técnica de ilustración.

Fuentes de investigación

Eco, Humberto.

Como se hace una tesis: Técnicas y procedimientos de investigación, estudio y escritura.

Gedisa editorial.

Hernández Sampieri, Roberto [et. al.].

Metodología de la investigación.

McGraw Hill.

Bahena, Guillermina.

Manual para elaborar trabajos de investigación documental.

Editores Mexicanos Unidos.

López Cano José Luis.

Método e hipótesis científicos.

Editorial Trillas.

Pardinas Felipe.

Metodología y Técnicas de investigación en ciencias sociales.

Editorial Siglo XXI.

http://comunidad.biensimple.com/tiempo-libre/w/tiempo-libre/Como-hacer-un-marmolado-en-el-papel.aspx

http://saralart.blogspot.com/2009/01/ebru-ancient-art-going-back-five.html

http://www.portonartesano.com.ar/verdocumento104.html

http://www.portonartesano.com.ar/verdocumento43.html